Planning Europe’s Future Theatre

 

In Europe, a continent that is changing rapidly, in both diverse and heterogeneous communities, the planning of its future theatre is not an easy task; many changes are required, especially with regard to its (re)presentational codes, its themes and its overall philosophy to keep abreast of social change.  Finding a way to embrace such change was the focus of the meeting of the European Theatre Convention (ETC) in Nova Gorica, 16-21 April, 2024.  Participants attempted to prepare the ground for a new generation of artists whose creative projects will bring to the stage the lives, narratives and concerns of the diverse people of the European continent. This article describes the hosted activities and comments on the difficulties and challenges of such an undertaking.

Keywords: ETC, New Europe, power game, domination, revitalizing theatre, dramaturgy of care

Nova Gorica in Slovenia, along with Gorizia in Northern Italy, are designated the European Capital of Culture for the year 2025. This is the first time in the history of the institution that two cities from two different countries have been selected to represent jointly the continent’s cultural capital; however, given the history of the region and the formation of the national status of the two cities, this result is not surprising.

Nova Gorica was once a suburb of Italian Gorizia. According to Wikipedia, after 1947, the Paris Peace Treaty established a new border between Yugoslavia and Italy, leaving a great part 

of nearby Gorizia outside the borders of Yugoslavia. In 1948, the Socialist Republic of Slovenia with the strong backing of Marshall Tito built a new settlement, a twin city called Nova Gorica. Since 2011, the two towns of Nova and Stara Gorica have been governed by a common administrative board.

With this history in mind, we understand why Go Borderless was adopted as the official motto of the cultural capital, as we also understand why the choice of Nova Gorica for the European Theatre Convention (ETC) was both apt and noteworthy.  The European Theatre Convention, established in 1988, is the largest network of publicly funded theatres in Europe, with 63 members in 31 countries. The sheer volume of participating theatre organizations reflects the significant cultural diversity of Europe, the Europe of many religions, languages, colours, histories, stereotypes, prejudices and often national biases.  

In a fragmented and troubled European continent, sharing ideas is not always easy, with so many obstacles to overcome, but precisely because it is not easy, democratic dialogue becomes all the more necessary.  It is particularly crucial when the dialogue concerns the well-being and future of young people, a social group that we do not often see as a subject of serious study. Especially for Europe, with its aging native population and its increasingly immigrant and/or refugee youth population from all parts of the planet, such a dialogue is not a choice but a necessity, as it concerns the future of its societies and the arts they produce.

In an age of lonely citizens and digital alienation, theatre professionals are called on to reconceptualize community not as a united, solid, compact and uniform collective body, but rather as a dialectical exchange between the solitude of singularity and partnership with others, encompassing many diversities; individuals and groups are required to reshuffle old modes of understanding and (re)presenting canonized stories in order to respond adequately to diversity in contemporary life and world view. 

Theorists, for their part, speak of the age of so-called liquid modernity, as opposed to the age of solid modernity, when people believed in a linear model of rational progress, in line with the legacy of the Enlightenment, which aimed at the subjugation of chaos in the name of order. Nowadays, this erstwhile security blanket and optimism do not seem to apply. Our era lacks a clear compass of where it is going and what exactly it wants or needs. We live in an environment of contradictions and uncertainties, wondering and speculating. In the face of radical and rapid change taking place, structures, ideologies, performative and representational codes, and in general everything that characterized the world of solid modernity, cannot hold for long.  With changes succeeding one another at a rapid pace, it is logical that no stable reference points can be calibrated that could possibly lead to more specific social and artistic interventions and actions. Within these constantly shifting structural and aesthetic frameworks, any design or action lasts as long as the hosting frameworks endure, which is to say, not very long.

The Challenges

I note all the above to emphasize, especially for the theatre, that present and future challenges are enormous and intractable. In the midst of great fluidity and uncertainty, a dynamic, forward-looking and pragmatic theatre is needed, to systematically and persistently face the challenges and changes brought about by both postmodernism and globalization, especially with respect to free expression in a world increasingly dominated by autocrats, dictators, and populist or “small” leaders.

The theatre which aims for a better and less confrontational future must find ways to promote inclusivity and eliminate discrimination based on gender, race, ethnicity, age, sexual preference, ability, religion and / or social status. Clearly this is not easy, since it presupposes bold planning and decision-making, a reassessment of the past, a clear vision of the future and a novel approach to writing and representation.  Such transformation, however, will lead individuals, spectators and artists, to better understand the complexity of modern society and its relationship to the theatre and the arts in general.

The ETC Philosophy

Judging by its many programs so far, it is clear that ETC organizers view theatre as a means to create a vision of a New Europe of the future, one which is more democratic and more sensitive to pressing sociopolitical and cultural issues. They envision a European theatre of creative dialogue with a focus on openly confronting and seeking solutions to problems. That explains why diversity is prioritized in all ETC programs, co-productions and conferences.

Through this prism of search and anxiety, the telling title of ETC's three-year program, Transformations - Recharging European Theatres and Audiences in a Post-Covid World, reflects the central goal of creating a long-term vision for European theatre as a whole, a theatre accessible to all sectors of the population, especially young people. 

The program entitled Young Europe reflects this priority, as it aims to expand the canon of European theatre works by emphasizing forgotten, marginalised or silenced theatrical works, and also by creating new works specifically for young audiences of contemporary Europe. These goals were undertaken at the Nova Gorica meeting in April 2024, as models of thinking and writing were sought from non-dominant groups. Consequently, a new set of values emerged, new channels of communication were developed, and new teaching methodologies were designed, all with the unifying purpose of advancing European theatre by lessening the dominant presence of a white, middle-class, Eurocentric male perspective.

Through this program, ETC anticipates an aesthetically and ideologically expanded theatre “canon” that responds to the sensibilities and anxieties of young people and builds on themes relevant to their lives, as they are shaped by unprecedented and intimidating changes: climatic, economic, ethnographic, anthropological and ideological. The main goal is to gradually create a European theatre in which diversity flourishes and sustainability is the norm, in economic, ecological and social terms.  According to the UN definition of sustainability, a development is sustainable to the extent that it meets the needs of the present without limiting the ability of future generations to meet their own needs. 

In the fourth phase of the Transformations/Young Europe project, interesting discussions were conducted on topics such as "Playwriting with Young Europe IV: Playwrights and Mentors," "Expanding the Shared Drama" and "Audience Development and Artistic Education." Eight theatres, representing various European countries, participated in this year's Festival, entitled Discover Young Europe IV: Classroom Plays; participating countries included the Netherlands, Slovakia, Slovenia, Belarus, Cyprus, Germany, Malta and England.  Writers were guided throughout the preparation of their plays by a team of playwrights and artists from several European countries who served as mentors. These plays, all 45 minutes in duration, were presented under the motto "The Young, The Bold. Break the Mold," indicative of the intentions and concerns of all participants.

Five women and four men participated in the project; the purpose was to raise awareness on key issues that affect young people, such as education, quality of life, mental health, bullying, and feelings of shame, fear and exclusion, as seen through the prism of power relations.  In particular, participants explored which individuals wield power and how power is made visible.  For example, they considered how one’s body type might affect that person’s likelihood of asserting, dominating (or being dominated). Young writers were asked to identify problems faced by developing artists, and most importantly to explore and exploit their performative potential in order to gain more visibility.

Also of importance were concepts such as Europe and European identity, as participants considered what it means to be European, what kind of Europe they live in, and what kind of Europe they want or dream of.  Most importantly, they discussed what unites and separates them from others, in order to forge a common front which embraces cultural diversity and a unified European continent. 

In this spirit it was proposed, as a future project, that the dramaturgy of conflict be gradually replaced by the dramaturgy of reconciliation, i.e. the dramaturgy of caring and concern. Although I understand what is meant by this substitution, although I understand the noble aims of this proposal, I feel that the presence of conflict does not rule out the possibility of caring for others. Conflict is an all-time structural element, part of the very ontology of theatre’s philosophy, whereas caring or indifference is an attitude which reflects how one manages people and relationships involved in a conflict. By maintaining a balance between form and content, an ideal like this can certainly foster more peaceful and mutually beneficial relationships across diverse groups in Europe and beyond.

It is worth noting here that all participating writers were awarded State grants to complete their projects, thereby demonstrating that representatives of the canon could open their doors to non-mainstream, non-dominant voices.  Such a positive beginning is destined to produce beneficial results, provided of course that all participants from all constituencies contribute their fair share of effort. 

A Few Words About the Projects

All the projects hosted at the Nova Gorica ETC meeting, explored, as mentioned above, the common theme of power, in particular, who wields power and how power is displayed. For example, the German writer Matin Soofipour Oman, in her work Room Rumours, focused on language as a tool with great propensity for displays of power, depending on how one uses it.  As she notes in the festival's posted program: "In the beginning there was the word. What word? Who decides and who ultimately speaks the word?” She points out that in a classroom the answer is usually simple: the teacher moves center-stage and wields all the power; the class listens and speaks when asked, with the result that in the process, many of the student's thoughts and questions are not heard.

Starting from this main thesis, she counter-proposes an interactive classroom game to overcome the problem and challenge the monopoly on truth.

In Surviving: the Substitute Lesson, Emel Aydoğdu, of Germany, considers how language has the potential to define who we are; in particular, she is concerned with the effects of what is not articulated as opposed to what is.  As many languages are spoken by the students in the class, the teacher at the podium is gradually immersed in the colorful world of the classroom and undergoes self-discovery as a result.  The teacher learns new ways of teaching that are both meaningful and communicatively effective.

What's Up by Tereza Trusinová, Slovakia, dramatizes the topic of mental health and the difficulties a young person has in discussing problems with friends. In another play, Little Stars by Jaka Smerkolj Smoneti (Slovenia), the focus is on school violence, bullying, and sexual identity. Young people are caught between the expectations of others and their own desires. As noted in the program, the play does not depict explicit violence itself, but rather explores the causes of violence and adolescents’ feelings of powerlessness and social pressure.  Bullying is also a key theme in the play Fat by Zoe Apostolidou, of Cyprus.  The story focuses on Froixos, an overweight high school student.  Anxious about his appearance, he feels excluded by both friends and family, especially his mother, who constantly pressures him to lose weight.  The playwright asks what he should do to join the ranks of normal children. Froixos in the end  reaches a simple but difficult solution to the problem: he accepts who he is and how he looks, and he thus achieves the inner peace he so desperately craves. 

Representing Malta, the play Gutz explores adolescent sexuality, the experience of shame and a young person’s act of resistance.  A young man sneaks into the school from which he graduated and asks himself, in moments of self-analysis, why he never acknowledged his feelings for James while he was a student.

Hassan and Moses, by Tomer Pawlicki (Netherlands), touches on the overtly political issue of ethnic strife. The two main protagonists, Hassan, who is Muslim, and Moses, who is Jewish, are close friends and classmates. They successfully cohost a Tik Tok show with many followers until war erupts between Israel and Palestine, and their followers demand that they each take a stand on the war.  The play sensitively depicts the degree to which social environment and dominant ideologies and prejudices affect human interactions, especially the relationships of young people who have nothing to do with war.

The collaboration between Belarus and Great Britain resulted in Olga Voronkova's play, Lucky.  Focusing on refugees from the war in Ukraine, the narrative shows that many of the victims are young children who suffer deeply and unjustly; the play asks how society should respond to their many needs and help them overcome the trauma of war. In particular, the playwright asks if a young child can really start a new life, having lost everything, and if the community has sufficient support to help these children reconstruct their lives.

General comment

All of the works included in Classroom Plays shared a common theme which is evident in the title: "Promoting Non-Dominant Voices Through Theatre." This theme was sufficiently broad to accommodate many of the problems of concern to young people today, such as sexuality, identity politics, bullying, ostracism, violence, refugee migration, inclusivity, camaraderie and participation. The quality of the presentations is not evaluated here, however, as projects I saw them more as works-in-progress than as completed texts, works that included a variety of formats such as interactive readings, re-enactments of works and discussions of how to address the problems raised in their work. 

Clearly, the classroom workshops were of great benefit to the target audiences.  Attuned to the poetics of participatory theatre as well as post- drama, young European writers of the future sought ways to transcend the known stereotypes, go past prejudices, inhibitions, absolute conclusions, targeting at another theatre where mitigation of difference and promotion of compassion would be possible. All panelists, discussing the thematics concerns of the classroom plays, agreed that their aim was to prepare a new generation of artists with a new set of priorities.

The classroom setting, characterized by linguistic, ethnic and religious diversity, provided an energizing environment to nurture and support new artists.  Participants expressed their hopes of cultivating a new public mentality more receptive to sociopolitical change, intercultural dialogue and collective action.  In their mind, an ideal classroom would also require an open channel for expressing diversity and the recognition of a broader range of classroom narratives, so that all members of the class feel welcome and validated.

The classroom teacher also plays an important role in the development of a new generation of artists.  In working with young people, the teacher must be receptive and caring, and must therefore acknowledge and accept each student’s unique abilities and contributions, as each one contains an element of truth. Within such an environment, students first learn to listen and subsequently come to realize that listening is a form of action.   In such a classroom, the students learn to be brave.

According to ETC philosophy, such training gives shape and substance to the European Promise, an ideal analogous to that of the American Dream, as ETC projects aim to promote democracy, prosperity, equality and human rights.  The workshop speakers and participants seemed to share this sentiment, as did Ms Heidi Wiley, Executive Director (ETC) and Ms Christy Romer, Communications Manager, two very knowledgeable people who helped me understand more fully the significance of this undertaking as it prepares the community for future European theatre.

The National Theatre of Nova Gorica

The National Theatre of Nova Gorica, the only new theatre built in Slovenia in the last fifty years, participated in ETC activities with four of its productions.  One of these, The Best European Show, written by Marko Bratuš and Haris Pašović and directed by Haris Pašović, was internationally co-produced, bringing together five ETC member countries with actors from all five of these countries (Teatru Malta, JK Opole Theatre, Slovene National Theatre Nova Gorica, Fondazione Teatro Due, National Theatre of Kosovo).

The idea for a co-production was first discussed at the Maribor Festival by two of the judges, Norbert Rakowski, artistic director of JK Opole Theatre (Poland), and Bosnian director Haris Pašević. Their basic idea was to create a story around a European panel of judges selected to choose the winners of the last live theatre festival. The panel of judges would consist of a critic, a government official, a theatre manager and a writer, all of whom fearlessly opinionated, with unwavering standards in their reviews and disastrous ratings.

Although the pan-European concept of this joined project was not bad, the staging was not the best possible. For example, the scattered episodes were not cohesive, there was no rhythm, and the satirical tone of the show did not reach the audience. The mixing of styles and cultures was in need of more polishing. On the contrary, the Shakespearean comedy Much Ado About Nothing was a far more enjoyable and artistically complete work, with a good sense of rhythm, humor, and comic punchline. The performance was intelligently directed by Ivana Djilas, known for her involvement in musical theatre, an element that was successfully showcased in this production. 

Overall, the April 2024 meeting of the European Theatre Convention (ETC) in Nova Gorica was quite productive, havin addressed key issues directly related to the future of  European theatre.  The participants demonstrated their awareness of the difficulties and peculiarities of the present European theatre, as well as the urgency of the problems.  For this reason, all scheduled gatherings aimed for clarity regarding the proposals and the possibilities for implementing them. Of course, as is always the case in forward-looking projects, only time will tell if their proposed plans are successful.  From my perspective as a teacher, I gained a lot from watching the works of young writers, precisely because they stated clear goals and thematic concerns.  They provided me with a number of exciting new ideas to apply in actual classroom settings and also ideas how to stimulate learning through theatre, with the ultimate goal of cultivating friendship, dialogue and peaceful coexistence of diverse groups.

Note: First published in Critical Stages #29 (June 2024).

 

 

 

 

  

Read More

Σχεδιάζοντας το «αύριο» του Ευρωπαϊκού θεάτρου

Η Nova Gorica στη Σλοβενία, μαζί με τη Gorizia στη Βόρειο Ιταλία θα είναι το 2025 η πολιτιστική πρωτεύουσα της Ευρώπης. Πρώτη φορά στην ιστορία του θεσμού συμβαίνει κάτι τέτοιο, δηλαδή δύο πόλεις από δύο διαφορετικές χώρες να επιλέγονται ως πολιτιστική πρωτεύουσα. Ωστόσο, από μια άποψη όχι και τόσο περίεργο για κάποιον που γνωρίζει την ιστορία της περιοχής και το πώς διαμορφώθηκε το εθνικό καθεστώς των δύο πόλεων.

 

Κάποτε η Nova Gοrica ήταν προάστιο της ιταλικής Gorizia. Σύμφωνα με τη διαδικτυακή Wikipedia, η Συνθήκη των Παρισίων του 1947 χάραξε νέα σύνορα ανάμεσα στην Γιουγκοσλαβία και την Ιταλία, αφήνοντας μέγάλο μέρος της πόλης Gorizia  σε ιταλικό έδαφος. Το 1948, η Σοβιετική Δημοκρατία της Σλοβενίας, με την υποστήριξη του Τίτο, θα δημιουργήσει (για ευνόητους λόγους) μια νέα πόλη ακριβώς δίπλα από την ιταλική με το όνομα Nova Gorica. Από το 2011 οι δύο αδερφές-πόλεις, η Nova και Stara Gorica, διoικούνται από ένα κοινό δημοτικό συμβούλιο.

 

Με αυτή τη σύνθετη όσο και ενδιαφερουσα προϊστορία κατά νου αντιλαμβανόμαστε γιατί το «Go Borderless» υιοθετήθηκε ως το επίσημο motto της πολιτιστικής πρωτεύουσας 2025, όπως αντιλαμβανόμαστε επίσης γιατί η επιλογή της Nova Gorica για τη συνάντηση των ευρωπαϊκών εθνικών θεάτρων European Theatre Convention  (ETC) ήταν και εύστοχη και πολυσημαίνουσα.

Στη φωτογραφία οι εκπρόσωποi των ευρωοαϊκών θέατρων, μπροστά από το Εθνικό θέατρο της Nova Gorica. H φωτογραφία Saša Mrak / David Verlič (SNG Nova Gorica / European Theatre Convention

 

 Για όσους δεν το γνωρίζουν το European Theatre Convention ιδρύθηκε το 1988 και είναι το μεγαλύτερo δίκτυο επιχορηγούμενων θεάτρων στην Ευρώπη. Αριθμεί 63 μέλη από 31 χώρες, ένας όγκος εντυπωσιακός που δίνει μια αρκετά περιεκτική εικόνα των θεατρικών πραγμάτων στην Ευρώπη σε μια εποχή κατά την οποία η Γηραιά Ήπειρος δεν περνά τις καλύτερες στιγμές της, καθώς την ταλανίζουν πολλά πιεστικά και δυσεπίλυτα θέματα,  πολιτικά, κοινωνικά, γλωσσικά, θρησκευτικά.

Μπροστά  στο μέγεθος των προβλημάτων και των αναταράξεων μπορεί να μην είναι εύκολος ο διάλογος, όμως κρίνεται απόλυτα αναγκαίος, εφόσον φυσικά το θέατρο θέλει να έχει λόγο και θέση σε όλα αυτά που συμβαίνουν. Και είναι πολύ σοβαρά αυτά που συμβαίνουν γιατί θέτουν εν αμφιβόλω τις περισσότερες βεβαιότητες που μας κληροδότησαν οι μεγάλες επαναστάσεις, πρώτα η Αμερικανική και μετά η Γαλλική και βεβαίως και πάνω από όλα ο Διαφωτισμός.  Όσο ποτέ άλλοτε ο σύγχρονος κόσμος (κι όχι μόνο ο ευρωπαϊκός) έχει ανάγκη από αναχώματα ώστε να καταπολεμηθεί ο ταχύτατα εξαπλούμενος λαϊκισμός, τα fake news και όλα τα κακά συμπτώματα της post truth νοοτροπίας που εντέχνως και υπούλως καλλιεργείται και συντηρείται από διάφορους κύκλους, τόσο της πολιτικής όσο και των social media.

 

Σε μια εποχή μοναχικών πολιτών, όπου την πρωτοκαθεδρία στην ενημέρωση εχουν οι κατασκευασμένες, οι βολικές «αλήθειες», καλλιτέχνες, μελετητές, θεωρητικοί, ιστορικοί αλλά και απλοί πολίτες, καλούνται να ξαναδούν την έννοια της κοινότητας όχι ως ένα ενωμένο, συμπαγές και ομοιόμορφο collective σώμα, αλλά σαν  μια διαλεκτκή δοκιμασία ανάμεσα στη μοναξιά της μονάδας και τη συνύπραξη με τους άλλους, δηλαδή τις πολλές διαφορετικότητες.

 

Αναμοχλεύοντας τους κώδικες αναπαράστσης

Είναι προφανές ότι η παγκοσμιοποίηση γέννησε πολλά προβλήματα με αιτίες που ξεπερνούν κατά πολύ τα εθνικά σύνορα και τις δυνατότητες κάθε χώρας ξεχωριστά να τα επιλύσει, γι’ αυτό και απαιτούνται άλλες μεθοδεύσεις πιο ενημερωμένες, πιο εξωστρεφείς και υποψιασμένες.  Ειδικά για το θέατρο, οι καθιερωμένοι τρόποι αναπαράστασης και γόνιμου σχολιασμού της πραγματικότητας (κυρίως μέσα από εργαλεία που προσφέρει εδώ και 150 χρόνια ο ρεαλισμός) αδυνατούν να ανταποκριθούν με επάρκεια στην ποικιλότητα και τον κερματισμό των σύγχρονων φαινομένων,  την ίδια στιγμή που οι  καινούργιοι τρόποι δεν έχουν ανακαλυφθεί ακόμη ή, στην καλύτερη περίπτωση, βρίσκονται στο στάδιο του δοκιμαστικού σωλήνα, χωρίς να γνωρίζουμε με σιγουριά πού θα οδηγήσουν.

 

 Ζούμε στην καρδιά ενός κόσμου που βρίσκεται στη φάση μετεξέλιξής του. Ένα κόσμο σε κατάσταση transit, στα όρια του οποίου βιώνουμε μια πρωτεϊκότητα που απειλεί να διαγράψει τις κατακτήσεις του παρελθόντος με την υπόσχεση της εισόδου νέων, μόνο που  δεν γνωρίζουμε ακριβώς πού θα καταλήξουν οι υποσχέσεις της «νεότητας».

 

Μέσα από αυτό το πρίσμα αντιλαμβανόμαστε γιατί οι  θεωρητικοί, τόσο του θεάτρου όσο και του πολιτισμού γενικότερα, στεγάζουν την εποχή μας κάτω από τον  όρο «υγρή μοντερνικότητα», θέλοντας έτσι να υπογραμμίσουν τη διαφορά της με τη «στέρεη μοντερνικότητα» του τέλους του 19^ου και των αρχών του 20ού αιώνα, τότε που ο κόσμος πίστευε στην ιδέα μιας γραμμικής, ορθολογικής προόδου, σύμφωνης με την κληρονομιά του Διαφωτισμού, και που είχε ως στόχο ή επιθυμία, αν προτιμάτε, την παντί τρόπω καθυπόταξη του χάους στο όνομα της τάξης. Στις μέρες μας αυτή η πάλαι ποτέ ασφάλεια και αισιοδοξία δεν φαίνεται να ισχύει. Η εποχή μας δεν διαθέτει μια καθαρή πυξίδα προς τα πού πηγαίνει και τι ακριβώς θέλει ή ονειρεύεται. Ζει μέσα σε ένα ανεμοστρόβιλο «-ισμών» που διαδέχονται ο ένας τον άλλο εν ριπή οφθαλμού, σε ένα περιβάλλον αντιφάσεων και αβεβαιοτήτων και εκ των πραγμάτων πορεύεται απορώντας και εικάζοντας. Μπροστά στις αλλαγές που διαδραματίζονται, οι δομές, οι ιδεολογίες, οι επιτελεστικοί και αναπαραστατικοί κώδικες και γενικά όλα όσα χαρακτήριζαν τον κόσμο της στέρεης μοντερνικότητας δεν μπορούν να κρατήσουν για πολύ τη μορφή τους. Αλλάζουν, όπως αναφέρω πιο πάνω, πάρα πολύ γρήγορα, με αποτέλεσμα να μην μπορούν να αποκτήσουν μια στέρεη φυσιογνωμία ή κάποιο σταθερό πλαίσιο αναφοράς για κοινωνική δράση. Μέσα σε αυτά τα συνεχώς μετακινούμενα δομικά (και όχι μόνο) πλαίσια κάθε σχεδιασμός και κάθε δράση αντέχουν όσο αντέχουν τα πλαίσια που τα φιλοξενούν, δηλαδή πολύ λίγο.

Στιγμιότυπο από μία από τις συνεδρίες στη μεγάλη αίθουσα του Εθικού θεάτρου της Nova Gorica. Φωτογραφία: Saša Mrak / David Verlič (SNG Nova Gorica / European Theatre Convention)

 

Οι προκλήσεις

Τα σημειώνω όλα αυτά για να τονίσω, ειδικά για το θέατρο, ότι  οι προκλήσεις που το περιμένουν είναι τεράστιες και σύνθετες, γι’ αυτό, όπως υπογράμμισα, ο διάλογος είναι μια αναγκαιότητα. Μέσα σε όλη αυτή τη ρευστότητα και τη θάλασσα αβεβαιοτήτων, το θέατρο που θέλει να είναι δυναμικά παρόν, καλείται να αναζητήσει συστηματικά και πεισματικά τρόπους διαχείρισης όλων των θεμάτων που προέκυψαν μέσα στις συνθήκες της παγκοσμιοποίησης και του μεταμοντερνισμού και κυρίως θεμάτων που αφορούν την ελεύθερη έκφραση, η οποία όσο περνά ο καιρός αποψιλώνεται. Η κουλτούρα της ακύρωσης σε συνδυασμό με την πολιτική ορθότητα ενώ δεν στερούνται πολλών και θετικών στοιχείων, έχουν δημιουργήσει μια ατμόσφαιρα  όπου μάχονται πολλές δημοκρατίες και πολλές αλήθειες χωρίς κάποια σημεία γόνιμης σύγκλισης που να οδηγούν σε μια μεγάλη δημοκρατία που να ενώνει. Και το θέατρο που θέλει να ελπίζει σε ένα καλύτερο και λιγότερο συγκρουσιακό μέλλον, καλείται να αναζητήσει τρόπους και δράσεις που θα βοηθήσουν ώστε η κοινωνία και οι τέχνες της να λειτουργήσουν όσο γίνεται πιο ενωτικά, πιο συμπεριληπτικά, πιο γενναιόδωρα, χωρίς άδικους αποκλεισμούς και  διακρίσεις που έχουν ως βάση το φύλο, τη σεξουαλικότητα, την καταγωγή, την αρτιμέλεια, το χρώμα, την ηλικία, τη θρησκεία, το κοινωνικό στάτους. Μπροστά στην παγίδα της εξωτικής και εμπορεύσιμης ετερότητας το θέατρο καλείται να σταθεί κριτικό και αυστηρό, όπως καλείται να σταθεί έντιμα και υποψιασμένα απέναντι στις ιδιαιτερότητες των πολιτισμών. Αυτό επιβάλλει σχολαστική διερεύνηση των αδιεξόδων της εποχής μας με στόχο την ανεύρεση του καλύτερου δυνατού τρόπου αξιοποίησης των σύνθετων συμπτωμάτων τους, εγχείρημα διόλου εύκολο γιατί προϋποθέτει τολμηρές αποφάσεις, ρήξεις, όραμα και φυσικά αναθεώρηση, όπως είπα,  βασικών στρατηγικών αναπαράστασης ώστε  το άτομο, δυνάμει θεατής ή καλλιτέχνης, να έχει ένα καλύτερο οδικό χάρτη της παγκόσμιας κατάστασης και του παιγνίου της ισχύος και κυριαρχίας, όπως έχουν διαμορφωθεί μέχρι σήμερα.

 

Στο διά ταύτα

Τα αναφέρω όλα αυτά τα γενικά σχόλια για να πω ότι η όλη φιλοσοφία που διέπει το ETC είναι ένας τέτοιος οδικός χάρτης, γιατί ακριβώς βρίσκεται μέσα στο πνεύμα των ανήσυχων καιρών μας. Έχει εντοπίσει αρκετά από τα ελλείμματα, έχει ζυγίσει αρκετές από τις δυσκολίες και κινείται ανάλογα. Κρίνοντας από τα μέχρι τώρα προγράμματά του, είναι ηλίου φαεινότερο ότι θέλει να καλλιεργήσει, μέσω του θεάτρου, το όραμα μιας Νέας Ευρώπης του αύριο, πιο δημοκρατικής και πιο ευαίσθητης στα θέματα που μαστίζουν την ίδια αλλά και τον πλανήτη στο σύνολό του. Θέλει ένα ευρωπαϊκό θέατρο δημιουργικού διαλόγου, αναταλλαγής απόψεων, αντιμετώπισης και συζήτησης προβλημάτων. Εξού και η  ποικιλότητα των προγραμμάτων του όλα αυτά τα χρόνια, οι συμπαραγωγές, οι συνέργειες και τα συνέδρια, όλα γόνιμη τροφή για σκέψη και στοχασμό, σε μια ιστορική στιγμή όπου η βιοπολιτική της αγοράς θέτει ολοένα και πιο έντονα και σκληρά τους όρους επιβίωσης ανθρώπων και τεχνών.

 

Στιγμιότυπο παράστασης. Χειροποίητη και διαδραστική. Φωτογραφία: Saša Mrak / David Verlič (SNG Nova Gorica / European Theatre Convention)

 

Μέσα από αυτό το πρίσμα της αναζήτησης και της γενικότερης αγωνίας, είναι ενδεικτικός και ο τίτλος του τριετούς προγράμματος του ETC, "TRANSFORMATIONS - Recharging European Theatres and Audiences in a Post-Covid World" [ΜΕΤΑΜΟΡΦΩΣΕΙΣ: Επαναφορτίζοντας τα Ευρωπαϊκά Θέατρα και το Κοινό τους στη Μετα-Κόβιντ Εποχή»], το οποίο, σύμφωνα με το αναρτημένο πρόγραμμα στο site του, έχει, μεταξύ άλλων, ως στόχο του να υλοποιήσει ένα μακρόπνοο όραμα για το ευρωπαϊκό θέατρο στο σύνολό του, ένα θέατρο προσβάσιμο σε όλα τα στρώματα του πληθυσμού και κυρίως τους νέους. Και είναι λογικό και σωστό το ότι δίνει ιδιαίτερη έμφαση στην παιδεία των νέων. Όλα άλλωστε από εκεί αρχίζουν. Και το πρόγραμμά του «Young Europe [Νέα Ευρώπη»], σε αυτό στοχεύει: στη διεύρυνση του «επίσημου» κανόνα της ευρωπαϊκής θεατρικής λογοτεχνίας, με ιδιαίτερη έμφαση στα «ξεχασμένα» ή αγνοημένα ή παραγκωνισμένα ή φιμωμένα θεατρικά έργα, αλλά και στη συγγραφή νέων έργων που να αφορούν ειδικά το νεανικό κοινό της σύγχρονης Ευρώπης, ένα κοινό που δεν απασχολεί ιδιαίτερα μελετητές θεατρολόγους. Παράλειψη τεράστια γιατί όλα εκεί αρχίζουν.

 

 Αυτό έγινε πράξη στη συνάντηση της Nova Gοrica (από τις 16 Απριλίου μέχρι τις 21 Απριλίου 2024), όπου αναζητήθηκαν μοντέλα σκέψης και γραφής που να προέρχονται από μη κυρίαρχες φωνές/ομάδες ή ιστορίες που δεν ακούγονται συχνά ή και καθόλου, ώστε να βγουν στην επιφάνεια νέες αξίες, νέα ιδανικά, νέα συμπεριληπτκά όνειρα και νέες τακτικές και μέθοδοι διδασκαλίας και υλοποίησής τους, με την ελπίδα πάντοτε πως έτσι θα βοηθήσουν ώστε το θέατρο να προχωρήσει ένα βήμα παραπέρα, δηλαδή πιο πέρα από τα όρια που έχει θέσει η μέχρι τώρα κυρίαρχη παρουσία μιας θεατρικής Ευρώπης κατά βάση λευκής, μεσοαστικής, δυτικοκεντρικής και ανδρικής.

Ένα από τα πάνελ στις συζητήσεις είχε αποκλειστικά νέους συγρραφείς. Φωτογραφία: Saša Mrak / David Verlič (SNG Nova Gorica / European Theatre Convention)

 

Με άλλα λόγια, μέσα από αυτό το πρόγραμμα το ETC προσβλέπει σε ένα θέατρο διευρυμένο αισθητικά και ιδεολογικά, ώστε να είναι πιο κοντά στις ευαισθησίες και τις αγωνίες των νέων, ένα θέατρο με θέματα αλιευμένα κατευθείαν μέσα από τη ζωή τους, όπως αυτή διαμορφώνεται σε αυτό τον πολυπολιτισμικό πλανήτη των τρομακτικών αλλαγών: κλιματικών, οικονομικών, εθνογραφικών, ανθρωπολογικών, θρησκευτικών, ιδεολογικών. Ένα θέατρο που νοιάζεται, που ακούει, που ονερεύεται μια Νέα Ευρώπη της ειρηνικής και γόνιμης συνύπαρξης των διαφορετικοτήτων.

 

Εάν υπάρχει μια λέξη που θα λέγαμε ότι χαρακτηρίζει την όλη προσπάθεια είναι η λέξη-κλειδί «βιωσιμότητα» (sustainability—οικονομική, οικολογική, κοινωνική, θεματική). Σύμφωνα με τον ορισμό των Ηνωμένων Εθνών, η οποιαδήποτε εξέλιξη είναι βιώσιμη στον βαθμό που ικανοποιεί τις ανάγκες του παρόντος, χωρίς  αυτό να περιορίζει τη δυνατότητα των επερχόμενων γενεών να ικανοποιήσουν τις δικές τους ανάγκες.

 

 Στην τέταρτη φάση του προγράμματος «Transformations/ Young Europe», πέρα από τις ενδιαφέρουσες συζητήσεις με θέματα όπως “Playwriting with Young Europe IV Playwrights and Mentors,» “Expanding the Shared Drama,» “Audience Development and Artistic Education”, οκτώ θέατρα από εννέα ευρωπαϊκες χώρες (Ολλανδία, Σλοβακία, Σλοβενία, Λευκορωσία, Κύπρος, Αγγλία, Γερμανία, Μάλτα), συμμετείχαν στο φετινό φεστιβάλ με τον τίτλο «Ανακαλύψτε τη Νέα Ευρώπη IV: Έργα για τη σχολική τάξη» [«Discover Young Europe IV Classroom Plays”]. Οι συγγραφείς τους καθοδηγούνταν καθ’ όλη τη διάρκεια της προετοιμασίας των έργων τους από μέντορες δραματουργούς/συγγραφείς από διάφορες χώρες της Ευρώπης. Τα έργα  αυτά, όλα 45λεπτα, παρουσιάστηκαν με motto τη φράση “The Young, The Bold: Break the Mould” [Νιάτα και τόλμη: Σπάστε το καλούπι], επιλογή πολύ σαφής και δηλωτική της όλης προβληματικής και των προθέσεων της φετινής διοργάνωσης.

 

Πέντε γυναίκες και τέσσερις άνδρες ήταν ο συγγραφικός απολογισμός του φεστιβάλ νέων δημιουργών. Στόχος, η ευαισθητοποίηση όλων, όπως είπαμε, γύρω από θέματα που επηρεάζουν τους νέους, την παιδεία τους, την ποιότητα της καθημερινότητάς τους, τις συναναστροφές τους, όπως η πνευματική υγεία, αισθήματα ντροπής, φόβου και αποκλεισμού, το μπούλινγκ, η διαφορετικότητα, τα περισσότερα από οποία ήταν ιδωμένα μέσα από το πρίσμα του παιχνιδιού της δύναμης. Ποιος έχει τη δύναμη και πώς την ασκεί, πού, γιατί; Με ποιο τρόπο λ.χ. ο σωματότυπος κάποιου επηρεάζει την πρόσβαση που μπορεί να έχει στα παίγνια της επιβολής και κυριαρχίας (ή υποταγής);  Αυτή ακρβώς η αναζήτηση πιο πολύ των αιτιών παρά των συμπτωμάτων είχε ως αποτέλεσμα τα διάφορα θέματα που απασχολούσαν να αποκτήσουν περισσότερη και πιο ευανάγνωστη ορατότητα, με απώτερο στόχο  την είσοδό τους σε έναν ευεργετικό διάλογο εντός της τάξης,  όπου επικρατεί πλέον η ετερομορφία σε όλα τα επίπεδα, οπότε είναι πολύ σημαντικό οι εκπαιδευτικοί να είναι οπλισμένοι με εργαλεία και ύλη που να ανταποκρίνονται στην πραγματικότητα του μαθητικού πληθυσμού. Και έργα σαν και αυτά που είδαμε, πιο πολύ σε μορφή αναλογίων, προσφέφουν άφθονη ύλη και ερεθίσματα για άσκηση, στοχασμό και προβληματισμό. Δίνουν ιδέες για το πώς μπορεί ένας εκπαιδευτικός να επικοινωνήσει με αυτό το ποικίλο κοινό με τα διαφορετικά στάνταρ υποδοχής, καταβολών και ανοχής, να το φέρει πιο κοντά στη γνώση, μέσω του θεάτρου, πώς  να συγκινήσει ή να εξάψει τη φαντασία ενός κοινού  εν πολλοίς surprise proof, δηλαδή ενός κοινού που δεν ξαφνιάζεται εύκολα, ώστε κάποια στιγμή να καταλήξει η τάξη σε μια ευεργετική για όλους αντίληψη γύρω από έννοιες όπως φιλία, διάλογος, συνύπαρξη και, βεβαίως, έννοιες όπως «Ευρώπη»: σε ποια Ευρώπη ζουν οι νέοι  αυτοί; ποια Ευρώπη θέλουν; Πώς τη φαντάζονται; Από πού προέρχονται και πώς φτάνουν ως την Ευρώπη των ονείρων τους;  Και το κυριότερο, τι τους ενώνει με όλους τους «άλλους» και τι τους χωρίζει, προκειμένου να σφυρηλατηθεί ένα κοινό μέτωπο ετεροτήτων που να χαίρεται την πολιτιστική του ποικιλότητα αλλά και την ενότητα της Ηπείρου που ζουν.

Ειναι πολύ σημαντικό μέσω καλών, προσεχτικά σταχυολογημένων θεατρικών επιλογών να μπαίνει στην τάξη ως οδηγός η δοκιμασμένη ποιότητα της σκέψης και της ευεργετικής θεατρικής δημιουργίας, απάντηση στο καταστροφικό  και «βολικό» anything goes. Όχι, δεν μπορεί να «χωράνε όλα». Ποτέ δεν συνέβη αυτό. Πάνω από όλα ρυθμιστής πρέπει να είναι η ποιότητα σκέψης και δράσης, διαφορετικά δεν διδάσκουμε τους νέους αλλά τους καταστρέφουμε, στο όνομα ενός αδιευκρίνιστου, ακατανόητου δικαιωματισμού.

 

Κοντά στη δραματουργία της σύγκρουσης πρέπει να ακούγεται και η δραματουργία της έγνοιας, του «νοιάζομαι για τον άλλο». Αυτό σημαίνει υγιής δημοκρατία. Και αντιλαμβάνομαι γιατί το επόμενο πρότζεκτ του ευρωπαϊκού δικτύου  ETC φέρει τον τίτλο «the dramaturgy of care». Ειπώθηκε ότι θα αντικαταστήσει τη δραματουργία της σύγκρουσης. Μα το ένα δεν αναιρεί το άλλο. Μέσα από τη σύγκρουση έχουμε δεκάδες έργα που αγκαλιάζουν τη δραματουργία του «caring», της έγνοιας. Η σύγκρουση είναι βασικά δομικό στοιχείο, ενώ η έγνοια ή η αδιαφορία που μπορεί κάποιος να προβάλει έχει να κάνει με τον τρόπο διαχείρισης των προσώπων και των σχέσεων που εμπλέκονται στη σύγκρουση. Όπως αντιλαμβάνομαι το νέο πρότζεκτ, στόχος του είναι να καλλιεργήσει πιο ειρηνικές και ευεργετικές σχέσεις ανάμεσα στις διαφορετικότητες που συνθέτουν όχι μόνο τους πληθυσμούς της Ευρώπης αλλά όλου του κόσμου.

 

Σημειώνω ως κάτι το ιδιαίτερο το γεγονός ότι οικονομικά όλοι οι συγγραφείς, για να φτάσουν να ολοκληρώσουν τη δουλειά τους, είχαν τύχει κρατικής επιχορήγησης, δηλαδή οι ίδιοι οι εκφραστές του Κανόνα άνοιξαν τις πόρτες τους σε μη κυρίαρχες φωνές ή κυρίαρχα θέματα ώστε να μπουν και να βοηθήσουν στη διεύρυνσή του παλιού «καλουπιού». Μια θετική κίνηση που μονο ευεργετικά αποτελέσματα μπορεί να έχει, εφόσον φυσικά όλοι καταβάλουν την προσπάθεια που τους αναλογεί, ένθεν κακείθεν.

 

Δυο λόγια για ορισμένα από τα έργα

Όπως είπα, όλα τα έργα, με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, ακούμπησαν στο θέμα της άσκησης δύναμης. Ποιος την ασκεί και πώς; Για παράδειγμα, η συγγραφέας Matin Soofipour  Oman (από τη Γερμανία) στο έργο της «Room Rumours» βάζει ως βασικό θέμα έρευνας και θεταρικής αξιοποίησης τη γλώσσα, τη δύναμη που μπορεί να ασκήσει, ανάλογα με τον τρόπο που τη διαχειρίζεται κάποιος. Όπως η ίδια σημειώνει στο αναρτημένο πρόγραμμα του φεστιβάλ: «Εν αρχή ήταν η λέξη. Ποια λέξη; Ποιος αποφασίζει και ποιος τελικά μιλά τη λέξη; Σε μια τάξη η απάντηση είναι συνήθως απλή: ο δάσκαλος ανεβαίνει στην  έδρα, η τάξη ακούει και μιλά όταν ερωτηθεί, και το πρόγραμμα καθορίζει τα θέματα. Στην πορεία, πολλές από τις σκέψεις και τις ερωτήσεις των μαθητών δεν ακούγονται».

 

Με αφετηρία αυτή τη θέση η συγγραφέας προτείνει ένα διαδραστικό παιχνίδι στην τάξη ώστε να ξεπεραστεί το πρόβλημα και το μονοπώλειο της αλήθειας. Πρόκειται για ένα θέμα και επίκαιρο και σύνθετο, θέμα «χωρίς σύνορα», καθότι αγγίζει όλα τα ακροατήρια, όλους τους πολυπολιτισμικούς λαούς, σε όλες τις βαθμίδες της εκπαίδευσης: πρωτοβάθμια, δευτεροβάθμια και τριτοβάθμια.

 

Heidi Wiley, Executive Director (ETC), μιλά για τα έργα των νέων συγγραφέων. Φωτογραφία: Saša Mrak / David Verlič (SNG Nova Gorica / European Theatre Convention)

 

Και η Emel Aydoğdu (Γερμανία) στο «Surviving: The Substitute Lesson»,  εστιάζει στο ίδιο θέμα, και πώς η γλώσσα περίπου μας ορίζει το ποιοι είμαστε και πώς αυτά που δεν λέγονται μας ορίζουν πολύ περισσότερο από αυτά που λέγονται. Στη τάξη ακούγονται πολλές γλώσσες, γράφει στο έργο της. Στο βάθρο είναι ένας δάσκαλος ο οποίος σταδιακά βυθίζεται σε αυτό τον πολύχρωμο κόσμο και ανακαλύπτει νέες πτυχές του εαυτού του και κατά συνέπεια νέους τρόπους διδασκαλίας και ουσαστικής, γόνιμης επικοινωνίας.

 

To «What’s Up» από τη Σλοβακία (της Tereza Trusinová), ακουμπά σε ένα θέμα επίσης ευαίσθητο, της ψυχικής υγείας και τις δυσκολίες που συναντά ένα νέος να μοιραστεί το θέμα αυτό με την παρέα του. Σε ένα άλλο έργο, το «Little STARS» (Jaka Smerkolj Smoneti) από τη Σλοβενια, το βάρος πέφτει στην ενδοσχολική βία, στο μπούλινγκ και στη σεξουαλική ταυτότητα. Νέοι άνθρωποι παγιδευμένοι ανάμεσα στις προσδοκίες που έχουν οι άλλοι γι’ αυτούς και τις πραγματικές επιθυμίες που έχουν οι ίδιοι. Όπως σημειώνεται στο πρόγραμμα, το έργο δεν δραματοποιεί την ίδια τη βία αλλά αναζητά τις αιτίες της βίας, το αίσθημα της αδυναμίας, όπως αναζητά εικόνες που αφορούν το σώμα, τη σεξουαλική ταυτότητα, την κοινωνική πίεση και άλλα παρόμοια θέματα.  

Ένα έργο από την Κυπρο το «Fat» (της Ζωής Αποστολίδου),  επίσης εστιάζει στο μπούλινγκ, με αφορμή την παχυσαρκία, με ήρωα τον Φροίξο, ένα μαθητή γυμνασίου ο οποίος ένεκα της εμφάνισής του νιώθει αποκλεισμένος από φίλους αλλά και από την οικογένειά του, και κυρίως τη μητέρα του που συνεχώς τον πιέζει να χάσει βάρος. Τι πρέπει να κάνει για να ενταχθεί στα φυσιολογικά παιδιά; Η αποδοχή τελικά του ποιος είναι και πώς φαίνεται του φέρνουν την ποθούμενη εσωτερική ηρεμία.

Από τη  Μάλτα το «Gutz», έργο για εφήβους, επικεντρώνεται στη σεξουαλική ζωή ενός μαθητή ο οποίος, παρ’ όλο που αποφοίτησε, εξακουλουθεί να επιστρέφει κρυφά στο ίδιο το σχολείο. Σε στιγμές αυτο-κριτικής και αυτο-ανάλυσης διερωτάται γιατί όσο ήταν μαθητής δεν είπε αυτά που πραγματικά αισθανόταν για τον James. Γιατί τα κρατούσε για τον εαυτό του. Ένα έργο που διερευνά τις σχέσεις των νέων με τη δύναμη, τη ντροπή και την πράξη αντίστασης σε όλα αυτά.

Το «Hassan and Moses», (του Tomer Pawlicki)  από την Ολλανδία, αγγίζει ένα πολιτικό θέμα. Πρωταγωνιστές δύο  φίλοι, συμμαθητές, ο Χασάν είναι Μoυσουλμάνος και ο Μόουζες Εβραίος. Έχουν μια κοινή εκπομπή Tik Tok  με πολλούς ακολούθους. Μέχρι που ξεσπάει ο πόλεμος με τους Παλαιστίνιους, οπότε αρχίζουν τα προβλήματα. Ο κόσμος που τους ακολουθεί απαιτεί να πάρουν θέση. Θα το κάνουν? Και με τι τίμημα?

 

Από τη σύμπραξη Λευκορωσίας και Μεγάλης Βρεττανίας θα προκύψει το «Lucky»  της  Olga Vοronkova, το οποίο φέρνει για συζήτηση ένα άλλο τεράστιο θέμα, το πρσφυγικό, με αφορμή τον πόλεμο στην Ουκρανία. Ανάμεσα στα θύματά του είναι και πολλά νέα παιδιά, τα οποία καλούνται να πληρώσουν ένα μεγάλο τίμημα για κάτι που δεν προκάλεσαν. Και το ερώτημα που θέτει το έργο είναι:  Πώς πρέπει να τα αντιμετωπίσει μια κοινωνία; Πώς διαχειρίζονται το τραύμα του πολέμου? Μπορεί ένα νέο παιδί πραγματικά να αρχίσει μια νέα ζωή, έχοντας χάσει τα πάντα; Οι κοινωνίες έχουν προγράμματα στήριξης ώσε να βοηθήσουν αυτά τα παιδιά να απαλλαγούν από το τραύμα του πολέμου και τα φοβερά συμπτώματα αυτής της εμπειρίας;

 

Γενικό σχόλιο

Γενικά όλα τα έργα (Classroom Plays) είχαν μια κοινή αλλά διατυπωμένη καθαρά στον τίτλο στόχευση: «Promoting Non-Dominant Voices Through Theatre”: την προβολή μη κυρίαρχων φωνών μέσω θεάτρου.  Θεματική με ικανό εύρος ώστε να φιλοξενήσει ό,τι προβληματίζει τους νέους σήμερα: ταυτότητα, μπούλινγκ, βία, συντροφικότητα, σεξουαλικότητα, προσφυγικό, εξοσταρακισμός, συμμετοχικότητα. Εδώ δεν κρίνεται η αρτιότητα της παρουσίασής τους, γιατί δεν είχαμε κάποια ολοκληρωμένη, επαγγελματική παράσταση. Πιο πολύ υποδεχτήκαμε works-in-progress,  διαδραστικές αναγνώσεις έργων και παράλληλα ιδέες που αφορούν τρόπους αντιμετώπισης των προβλημάτων που εγείρουν. Και από αυτή την άποψη όλα τα  classroom workshops λειτούργησαν πολύ καλά και ευεργετικά.

 

Ακολουθώντας εν πολλοίς την ποιητική του συμμετοχικού θεάτρου αλλά και του μεταδράματος, όπως και του αλά Μπρεχτ επικού θεάτρου,  οι νέοι συγγραφείς της Ευρώπης του αύριο αναζήτησαν ατραπούς που να οδηγούν πέρα από τα στερεότυπα, τα δίπολα, τις τιμωρητικές και αποκλειστικές ντιρεκτίβες και τα κλειστά συμπεράσματα. Μίλησαν για την ανάγκη της υπέρβασης, ώστε να δημιουργηθούν οι προϋποθέσεις μιας, ας την ονομάσουμε με θεωρητικούς όρους,  «τρίτης ζώνης», όπου θα διευκολύνεται η άμβλυνση των διαφορών, η κατανόηση, η έγνοια. Όπως είπαν και όλοι οι ομιλητές των πάνελ στις συζητήσεις που ακολούθησαν, στόχος είναι η προετοιμασία του δρόμου που οδηγεί στη νέα γενιά. Η ενθάρρυνση των διασυνδέσεων, της πολυγλωσσίας, η καλλιέργεια ενός νέου κοινού πιο δεκτικού στις αλλαγές που γίνονται, η ενίσχυση του διαπολιτισμικού διαλόγου, του συλλογικού και κοινοτικού αισθήματος, της αλληλεγγύης, πράγματα που σαφώς αρχίζουν μέσα στην τάξη, μια ταξη που χαρακτηρίζεται από πολλές γλώσσες, πολλές θρησκείες, πολλά χρώματα. Και αυτή η τάξη απαιτεί και μια ποικιλότητα στις ιστορίες που αφηγείται και διδάσκει. Δηλαδή, απαιτεί διεύρυνση του storyscape, ώστε όλοι να αισθάνονται ότι ανήκουν, να νιώθουν «σαν στο σπίτι τους».

 

Δουλεύοντας με νέα παιδιά ο δάσκαλος της «Νέας Ευρώπης» μαθαίνει και αυτός να είναι δεκτικός, να νοιάζεται, να είναι ευρηματικός υπομονετικός, συμπεριληπτικός, αληθινός, διαθέσιμος, να ακούει όλες τις ιστορίες, γιατί όλες κρύβουν τις δικές τους μικρές αλήθειες. Μέσα σε αυτό το περιβάλλον και ο μαθητής, από τη μεριά του, μαθαίνει σιγά σιγά να νοιάζεται, όπως και ο δασκαλος, να ακούει, γιατί το να ακούει είναι μορφή δρασης: μαθαίνει ακούγοντας. Μέσα σε μια τέτοια τάξη ο μαθητής μαθαίνει να είναι γενναίος, εξωστρεφής.

 

Όπως πιστεύει το ETC, τέτοια έργα περίπου βοηθούν στη διαμόρφωση του πεδίου της «Ευρωπαϊκής Υπόσχεσης» (κάτι αντίστοιχο με το «Αμερικανικό όνειρο»). Δημοκρατία, ευημερία, ισότητα, ανθρώπινα δικαιώματα.

 

Η νέα γενιά πρέπει να αρχίζει να ζει και όχι απλώς να επιβιώνει. Αυτό ήταν και το συμπέρασμα όλων των ομιλιών στα διάφορα πάνελ, όπως και το συμπέρασμα που αποκόμισα από τις πολύ ενδιαφέρουσες συναντήσεις που είχα με τη Heidi Wiley, Executive Director (ETC) και τον Christy Romer, communication manager, δύο πολύ καλοί γνώστες του χώρου που διευθύνουν. Οι απόψεις τους με βοήθησαν να δω σε βάθος τα συστατικά και τις μεθόδους αυτού του σημαντικού εγχειρήματος, που προετοιμάζει το έδαφος για το ευρωπαϊκο θέατρο που έρχεται.

 

Υστερόγραφο

Να σημειώσω ότι το Εθνικό Θέατρο της Nova Gorica, το οποίο στεγάζεται σε ένα πολύ ωραίο κτίριο, το μοναδικό καινούργιο θέατρο που κτίστηκε στη Σλοβενία τα τελευταία πενήντα χρόνια, συμμετείχε στις δράσεις του ETC με τέσσερις παραγωγές του, ανάμεσα στις οποίες και το «The Best European  Show» που έγραψαν οι Marko Bratuš και Haris Pašović και σκηνοθέτησε ο Haris Pašović, με τη συμμετοχή πέντε χωρών-μελών του ETC, και με ηθοποιούς από τις πέντε αυτές χώρες.

H  ιδέα προέκυψε στο Φεστιβάλ του Maribor, όπου συναντήθηκαν δύο από τους κριτές, ο Norbert Rakowski, καλλιτεχνικός διευθυντής του JK Opole Theatre (Πολωνία) και ο Βόσνιος σκηνοθέτης Haris Pašević. Σκέφτηκαν να ετοιμάσουν μια πολυεθνική περφόρμανς, όπου η βασική της ιδέα θα αφορούσε ένα ευρωπαϊκό πάνελ κριτών που καλείται να επιλέξει τους νικητές του τελευταίου θεατρικού φεστιβάλ πριν το θέατρο παραδοθεί πλήρως στην ψηφιοποίηση και εξαφανιστεί.  Αυτή την επιτροπή θα την αποτελούν ένας κριτικός, ένας αξιωματούχος της κυβέρησης, ένας θεατρικός μάνατζερ, και  ένας συγγραφέας. Και αυτό γίνεται, αλλά με τρόπο καταστροφικό. Οι εδικοί, όλοι ισχυρογνώμονες, με  αμετακίνητες απόψεις περί καλού και κακού θεάτρου, κυριολεκτικά απαξιώνουν κάθε περφόρμανς στις αξιολογήσεις τους.

 

Η ιδέα της περφόρμανς ήταν αρκετά ενδιαφέρουσα, όχι όμως και η σκηνική της υλοποίηση. Το δραματουργικό δέσιμο των διάσπαρτων επεισοδίων αποδείχτηκε αδύναμο. Δεν υπήρχε ειρμός, ο θεατής δύσκολα ακολουθούσε, με αποτέλεσμα να χάνεται και το σατιρικό ύφος των επεισοδίων (βασικό συστατικό της ιδέας). Γενικά πιο πολύ επικρατούσαν φωνές στη σκηνή παρά έργο με καθαρούς στόχους. Αντίθετα, χάρηκα τη σαιξπηρική κωμωδία Πολλή κακό για το τίποτα [Much Ado Abot Nothing].  Παράσταση εύφορη, ευφυής, χυμώδης, καλοπαιγμένη, έξυπνα σκηνοθετημένη, με αίσθηση του ρυθμού, του χιούμορ, της κωμικής ατάκας. Πολύ απλά: ευφρόσυνη, απολαυστική. Τη σκηνοθέτησε με ευρηματικότητα η  Ivana Djilas, γνωστή για την ενασχόλησή της με το μουσικό θέατρο, ένα στοιχείο που φάνηκε έντονα και με επιτυχία στην παράσταση αυτή.

 

Συμπέρασμα

Ήταν γενικά μια πλούσια φεστιβαλική συνάντηση, που άγγιξε θέματα που αφορούν άμεσα το μέλλον του θεάτρου. Μια συνάντηση που έδειξε ότι έχει επίγνωση των δυσκολιών και των ιδιατεροτήτων της εποχής, καθώς επίσης και του επείγοντος της κατάστασης, γι’ αυτό και επιδίωξε να είναι σαφής και ως προς τις προτάσεις και ως προς τη δυνατότητα υλοποίησής τους. Ως εκαπιδευτικός ο ίδιος κέρδισα πολλά παρακολουθώντας τα έργα στο φεστιβάλ των νέων συγγραφέων, γιατί ακριβώς είχαν μια καθαρότητα στους στόχους και τα θέματά τους.

 

Σημ. Πρώτη δημοσίευση, Χάρτης 66 (Ιούνιος 2024)

 

Read More